油画它的概念很容易界定，那就是必须用油彩涂在布上或纸上或板上或是其他物品上成图画的一种绘画形式。它的最大特点就是必须用油画颜料。概念虽然容易界定，它的方式却是五花八门的。我们谈的是写实油画，古典写实也好，新写实油风也好，照相写实主义也罢，有明确的写实手段呈现意图的观念艺术也行，总之，它们在技巧上都有写实功夫这么一个基础。

油画没有标准，好的就是坏的，坏的就是好的，这是中国油画家的幸运吗?算是吧!生存在这个时代，我个人认为无论是观念如何更新，油画总还有 “技术”一说。我喜欢高超技术下所体现的现代观念，也喜欢高超技术下的古典观念。也就是说，它应当首先是好的，好的东西我想永远会是好的。

画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画，有时要表现现实，有时也不能太顾到现实，这种取舍，全凭自己的思想。画一件东西，不应当要求太像，也不应故意求不想。求它像，当然不如摄影，如果它不像，那又何必画它呢?所以一定要在像与不像之间，得到物的天趣，才算是艺术。

作画要明白物理，体会物情，观察物态，这才算是到了微妙的境界。由理生情，由情生态，由态传情，这是自然的道理。可以感觉到身边的东西是可以去触摸的，手伸出去以后，却发现它是“无限的”。什么叫“无限”，无限就是你掀开眼前的树枝看到前面有山，再往前走有羊，有更多的树，有鸟，穿过树林有条河。河边有草。。。。。。全部都是细节，这才是无限，绘画的无限。

有人以为画油画很难，有说要生来有绘画的天赋，才能画好。鲁迅先生曾说“即使天才，在生下来的时候的第一声啼哭，也和平常的儿童一样，决不会是一首好诗”。

学习油画要从最基本的着手，也就是基础。首先是素描，画素描绝不单纯是打轮廓，素描不仅由线条所组成，它还是具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。我知道在素描之后将产生什么东西，它本身包含着全画的四分之三强。阿佩列斯说：“不要虚度哪怕是一天连一根线条也画不出的日子”。他已经说的这样肯定，在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案。其次，色彩尤其是水粉，我们所要掌握的只有一般规律，即人物的基本解剖知识，基本形体结构，及明暗调子和色彩变化的规律。要表现出物体的质感或人的个性特征，空间感，色调和谐，色彩关系准确等等。我们在水粉写生中，要求形色合一。素描中的黑白灰概念在彩画中要以冷暖色块来代替，用改变色彩冷暖来表现形体的变化。再次，速写。绘画学习方面以速写最为方便，最简便的方式。速写语言简洁，生动，操作直接，方便，趣味的自由变化是它在艺术门类之中不可代替的。应该说，速写是一种综合能力的训练，有利于养成良好的观察分析的习惯，有利于锻炼迅速捕捉生活瞬间的能力，增强形象记忆能力与造型能力，保持画家与客观世界的联系与交流，更有利于艺术语言的不断探索和认识，而且，跟不同人的多样实践体会，应有很多特殊的收益。那么最终速写写什么呢?写形，写神，更主要的是写情。

学油画心得体会篇2

论文摘要：由于不同的理解和创作方式，油画语言表现形式的多样性展现了画家精神世界不同的维度。为了更深入体察油画艺术的创作过程，文章从表现对象、本体语言和表现形式三个方面，对油画创作实践过程中的体验与反思进行了阐述，深入探讨了体验的方法和反思的必要性。

论文关键词：油画创作体验反思

油画，作为架上绘画的一种表现形式，具有丰富的表现力和极强的包容性，从表现的材料的物理性来看，油画具有其他画种无法替代的趣味性，深受广大观众的喜爱。油画在我国发展的历史不是很长，但它早已成为我国绘画表现形式中的主力军。在学习油画的20余年里，笔者作为油画学习者中的一分子，至今还不能算是入门，自身感觉学习油画除了需要极高的天分之外，还需要用心、深入地体验与反思。油画创作离不开对表现对象和本体语言的体验与反思，离不开对表现形式的探索与反思。

一、对表现对象的体验与反思

表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的，也可以是意象的，更可以是抽象的。无论画作是具象的、意象的还是抽象的，都必须经过画者头脑的体验与反思，才可能形成具有感染力的绘画作品。首先，画家要对写生的对象进行深入地察，从人物的外表（性别、年龄、衣着、色彩、姿态）到人物的内心世界（气质、性格、表情）等。笔者曾经听一位老师说过一句话，至今记忆犹新，他说，在观察事物的时候，我们的眼睛要像饿狼一样敏锐、贪婪，不要放过每一个细节。

人物是我们最熟悉不过的客体，但最熟悉的往往在视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉得到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。但是，若要把人物搬到画面上去，不仔细观察是不能完成的。深入地观察不但要入木三分地把握每一个细节的变化，还要注意体会其中的联系以及各个部分相互间的影响。

美国画家基蒙·尼克莱代斯著名的素描教学法就十分强调视觉与触觉的结合，他倡导一种素描的写生方法叫盲画，就是不看画纸和画笔，眼睛紧盯着描绘对象的体型轮廓，目光缓慢地随着对象的形体轮廓移动，手中的笔也随着目光的移动而移动，目的是训练画者学会用目光去触摸对象。刚开始用这种方法练习时，笔下画出来的物象一开始是完全走形的，但盲画出来的线条不像平时画出来的线条的样子。经过一段时间的训练之后，盲画的准确性在提高，最重要的是感知逐渐深入了，不再停留在浮躁的阶段。一些有成就的画家在谈到体验表现对象的过程时，总是强调要充分而全面地调动身体的所有感官，同时，把视觉上的深入观察运用到极致。笔者的老师钟以勤先生曾告诫我们：观察对象的时候要学会用目光触摸，用目光体验对象的质感和细微的起伏、转折关系，甚至要体会对象的温度和体内的脉搏，要想象你的笔触是在对象身体的表面上移动，让自己身心感受融入到对象中去。

但是，仅仅是这样的体验和感知是不够的，这不过是对物体知觉的常识性观察，这样的观察使人很容易陷入客观主义思维的模式，被自然对象牵着鼻子走，成为自然表象的奴隶。观察要融入到对象中去，反思却要能跳出对象。画画不同于照相，并不是把客观现实完全照搬到画布上去，即便是对景写生，表现的也只是相对正确的关系。因此，这个表现的过程就是一个主观处理的过程，主观处理的过程就是反思。观察不仅要深入揣摩表现对象的本质特征，同时还要摆脱表现对象客观实在对艺术表现的束缚，打破普通视知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找属于自己的独特视角，避免流俗或雷同。面对不同对象的写生，体验会不同，反思也就大相径庭。对客观事物体验的方面不同，个人反思的取向不同，得出的结论即呈现的画面效果也不同，也就造成了千人千面的风格。

二、对本体语言的体验与反思

油画本体语言潜藏着无限的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画本体语言包含了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画本体语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。对油画本体语言的体验从初学到入门以及从入门到挥洒自如要经历十分漫长的过程，对于个别有天赋的画家来说这个阶段可能会短一些，但更多的人都经历了数十年的探索与实践，才能真正把握其性能特点。

绘画材料进入到艺术创作的语境中改变了身份，它们不再是单纯的材料，而是被赋予了一种寓意、象征和存在的价值的本体语言，成为画家自我的延伸。一般在创作前，画家对选择运用的媒材都会预设一个基本效果，但对创作过程中产生的变化未必能完全控制或把握，因此，必须要及时总结经验，进行必要的反思，以达到熟练掌握和控制所运用的媒材，确切传译个人语义，从而达到实现自我表达的目的。画框作为油画的依托和载体，内框与画布质量的好坏，直接影响作品的质量。许多大城市的画家已经不再自己绷画布、制作画底，这个环节的省略可以为画家节约许多时间。然而笔者认为，如果从学习油画开始就从来没有经历自己动手做底的过程，一般是很难发现基底材料对作品影响的奥秘的，也很难找到适合自己绘画表现的载体。要深入了解绷画框的程序，并可以根据自己绘画的要求对画布质地进行挑选，对画布基底材料的性质有选择地制作，是保证创作顺利完成的前提。

就单纯的物质特性而言，油画颜料的色性稳定，却因不同的使用者和不同的使用方法而千变万化。单就调色的顺序不同、敷色的厚薄不同、笔触的肌理不同、运笔的方式和力度的不同，油画颜料都会由此而产生不同的结果，其丰富微妙的变化需认真体察并加以总结才能逐步掌握运用。初学油画的时候很容易被其稳定的色性所蒙蔽，认为油画没有干湿变化会比较好把握，通过一段时间的学习才发现其实不然。认识、理解了油画本体语言的意义也将在画面上实现表达的意义。油画与生俱来的包容性，更加扩展其语言表达的可能性。在最近的十余年里，中国的油画家们在油画媒介与材料方面做了大量的探索，取得了长足的进展，使油画这个架上绘画表现形式在中国的发展还方兴未艾。

三、对表现形式的探索与反思

对表现对象和本体语言的体验与反思，是掌握油画语言的初级阶段。要真正驾驭油画，运用油画进行创作，还必须对艺术表现形式有广泛而深入的了解。任何一幅优秀的艺术作品的产生或一种艺术风格的形成都不是孤立的，都体现了作者自身的艺术积淀，也反映了作者对前人艺术表现形式的继承与发展，还体现了作者对传统的反叛和超越。

表现形式是作品主题的艺术思想阐发的最重要的方式，形式语言比直接的说教更具力量。重构是艺术家对既有的绘画形式的探索和反思，它具有两种基本特征：一是创作观念上的“形式自律”和“主观创造”；二是艺术家发挥主观创造性，在作品中将自然形象解构，重新组织画面结构，建构出一种非写实的艺术形象。绘画形式的探索和反思既满足了艺术家的创作欲望，充分释放艺术家的创造潜能，发挥艺术家的自主创造力，又促进了艺术风格不断推陈出新，使艺术世界更加丰富多彩，满足公众多元化的审美需求。

被称为“现代绘画之父”的塞尚，在观察自然和艺术创作实践中，通过探索、反思、创作、想象，形成了个人的艺术主张：用圆柱体、球体、圆锥体来处理自然，其作品形成了概括性、结构性、秩序性、主观性、自律性、重构性和创造性的鲜明特征，他是站在前人丰厚的积淀上开拓了新的艺术疆域。“塞尚一小步，艺术一大步”，这是对个人在形式语言上进行的探索反思取得的成果，推进着艺术发展进程的最好注解。

在当下纷杂的艺术思潮下，要取得油画创作的新发展，不仅需要画者放下急功近利的浮躁之心，保持坚持创作的恒心和定力，还需要画者能潜心体察表现对象和油画的本体语言，并对表现形式进行不遗余力的探索与反思。

学油画心得体会篇3

纵观绘画艺术的发展，从古埃及壁画开始，绘画创作的一步步演变，可以看出，绘画创作一开始的目的是为了真实的描述社会现象，作为比文字更早出现的东西，它们负责记录，随着时间的发展，绘画开始有了新的目的，透视的发现与完善，让绘画创作更加接近于准确的表现出客观存在的东西，也就是写实。我们可以看到，文艺复兴时期的绘画作品，对于自然风光、人像的描述精准且美妙。然而随着时代的发展，科技不断进步，摄影技术越来越完善，写实已经无法满足画家了！写实主义重点在于真实的描绘客观事物，而人们欣赏时往往死抠细节而忽略画作背后画家的思想与情感，于是他们像更能表达自己思想的领域进军！

于是印象派、抽象派等等更加大胆抽象的风格如雨后春笋般出现了。它们用色大胆，打破常规，往往让人一眼看上去满头雾水不知所云；然而又是那么的和谐美丽，画作中隐藏着一个个扣人心弦的故事。

长期以来绘画创作的本质一直是画家研究和探讨的主要问题，画家总是会在创作题材、形式上煞费苦心。怎么才能创造出优秀的绘画作品是画家一生都在研究的问题。画家的个人品质和生活情趣影响着画家的绘画表达形式和语言。

在艺术的世界里，画家的气质往往决定了画家绘画作品的艺术语言；画家的情感与智慧决定了作品的好坏，可以说气质与情感智慧是绘画作品创作的基础。

每一个画家都有自己独特的绘画风格，每一幅画都表达了画家不同的内心情感。可以说画家的每一幅画都是不可复制的，是独一无二的。在绘画艺术实践中，有什么样的气质，就会有什么样的绘画语言。可以说气质决定了画家的绘画语言。首先，独特的气质来源于独有的个性和独有的成长环境。梵高出生于荷兰乡村的一个新教牧师家庭，早年的他做过职员和商行经纪人，还当过矿区的传教士。他充满幻想、爱走极端，在生活中屡遭挫折和失败，最后他投身于绘画，决心“在绘画中与自己苦斗”。他早期画风写实，受到荷兰传统绘画及法国写实主义画派的影响。1886年，他来到巴黎，结识印象派和新印象派画家，并接触到日本浮世绘的作品。视野的扩展使其画风巨变，他的画，开始由早期的沉闷、昏暗，而变得简洁、明亮和色彩强烈。而当他1888年来到法国南部小镇阿尔的时候，则已经摆脱印象派及新印象派的影响，走到了与之背道而驰的境地。在阿尔，梵高想要组织一个画家社团。1888年，高更应邀前往，但由于二人性格的冲突和观念的分歧，合作很快便告失败。此后，梵高的疯病时常发作，但神志清醒时他仍然坚持作画。1890年7月，他在精神错乱中开枪自杀，年仅37岁。

这位易激动而富于神经质的艺术家，在其短暂一生中留下大量震撼人心的杰作。他的艺术，是心灵的表现。他曾说：“作画我并不谋求准确，我要更有力地表现我自己”，他并不关注于客观物象的再现，而注重表现对事物的感受。亨利〃福西隆在论述凡高时说道：“他是他时代中最热情和最抒情的画家。……对他来说，一切事物都具有表情、迫切性和吸引力。一切形式、一切面容都具有一种惊人的诗意”，“他感到大自然生命中具有一种神秘的升华，他希望将它捕捉。这一切对他意味着是一个充满狂热和甜蜜的谜，他希望他的艺术能将其吞没一切的热情传达给人类”。为了能更充分地表现内在的情感，梵高探索出一种所谓表现主义的绘画语言。他认为：“颜色不是要达到局部的真实，而是要启示某种激情。”在他画中，浓重响亮的色彩对比往往达到极限。而他那富于激情的旋转、跃动的笔触，则使他的麦田、柏树、星空等，有如火焰般升腾、颤动，震撼观者的心灵。在他的画上，强烈的情感完全溶化在色彩与笔触的交响乐中。

早期作品受印象主义和新印象主义画派影响，代表作有《食土豆者》、《塞纳河滨》等。曾两次在咖啡馆和饭馆等地向劳工阶层展出自己的作品。不久厌倦巴黎生活，来到法国南部的阿尔勒，开始追求更有表现力的技巧；同时受革新文艺思潮的推动和日本绘画的启发，以达到线和色彩的自身表现力和画面的装饰性、寓意性。

梵高的作品在很长一段时间内并不被世人所接受,直到十九世纪末的时候世界正进行着一次全面的革新，人们的思想得到空前的变革，接受新事物的能力也大大的提高。而过去相对于印象派较为超前的梵高，此时正适应了人们的审美需求。凡高他对大自然有着火一般的热情，具有一种如火山般狂热爆发的个人气概。这种热烈疯狂的气质来源于他笃实虔诚的性格和不入俗流的个性情操，也就形成了他独有的艺术气质。凡高成长于一个牧师家庭，成年后他也成为一名牧师，在为矿区的工人祈求上帝给予他们食物时却饿起了自己的肚子，把这种情绪用一种什么东西表达出来呢？于是他就拿起画笔，来描述矿工，反映他们的生活，以唤起人们去拯救自己，这样就产生了矿区素描。这是他的一张作品，我们可以看到他的线条是那样粗重，实在拙笨，但恰到好处,。阿尔的明丽日光、太阳的儿子向日葵金灿如火的花盘使凡高发疯，纯纯的土黄、中黄、柠黄直接上到画面上，纯色勾出的线条是狂热激情的喷发，至今我们还被那瓶金黄灿烂的向日葵激动着！凡高的个性语言就是在他独有个性气质与自己情感撞击的生活环境中形成的。其次，独特的气质直接对应独有的情感世界，个性的情感丰富强化了作者的气质，更完善了个性的艺术语言。八大山人是我国著名的花鸟画家，他是前明帝室之胄，对明王朝怀有无限眷恋，对满清王朝有着骨子里的反感，因此，形成了他避世孤傲、蔑视清庭的个性气质。他画的水鸟或仙鹤眼睛都向上翻着，甚至他的怪石也如同人一样露出蔑视之态，这独特的个性语言符号让人过目不忘。当人们看到八大的画，不必看署名，便一目了然。由此可见，在绘画艺术创作中，对于一个画家，有什么样的个性气质就会有什么样的个性绘画语言。

一幅优秀的绘画作品，应该能与参观者产生心灵上的共鸣。。所以，“真情实感”是艺术作品感染人的关键所在。这里的真情实感是指不忸怩作态，而是自然生发的作者的创作冲动。毕加索在血淋淋的国内战争时期，挥汗创作的鸿篇巨制《格尔尼卡》，虽然运用了立体分析的手法，但那对战争控诉，那如西班牙凶残牛头对生灵蹂躏、践踏，人民在哀号的表现，让每个欣赏者都被拉回到那个时空中，把他对和平的热爱对内乱者的控诉之情凝固于画布之上，至今都会让人为之感动。

中国当代著名画家吴冠中先生的江南水乡作品，把我们从作者情感物化的画布上带到了秀逸迷人的江南水乡，那鲜明的白墙黑瓦和水中的红鱼、小舟让人自然联想到 “江南好，风景旧曾谙”的优美自然风光，这源于作者对家乡的热爱之情。这种“低头思故乡”之情结与“举头望明月”之思绪，在他举头握画笔之时的强烈思乡、恋乡、爱乡之情感宣泄于画布上，所创作出别具一格的作品使多少人为其作品放大瞳孔！真情感于人，真情出于人，人所共知，人所共有，这才是绘画作品真正打动人类灵魂之所在。画家正是结合自我的情感取向，开动自己的智慧头脑创造自己的艺术语言的。林风眠创造了中西合壁的独一无二的绘画新风格，新语言，是中国当代著名的绘画大师，他对中国画中特有的墨线非常感兴趣，同时又痴迷于西洋油画凡高的如流淌式的狂热色彩表现，巧妙地将二者结合起来。艺术创作的本质所在，就是画家把自己的真情感与独有的智慧相融合，也即把自己的情感与智慧凝固于画面上，去感染人，让人在赏心悦目中进一步欣赏画家智慧的哲思与创造。

每一个画家拥有不同的生活体验，不同的情感世界，所以，在他们的作品中我们可以感受到不同的绘画语言及绘画形式，可以说绘画作品是画家个人品质情感与智慧的综合体现。一个画家要想创作出优秀的作品，应该不仅仅在绘画技能上锻炼自己，还要培养个人的艺术修养，要热爱生活，用心去体会这个五彩斑斓的世界。

一般人看绘画作品，能够欣赏的是写实的作品，而对看上去色彩运用像儿童画那般纯的画和将事物分解重组的抽象画难以理解和欣赏。这之中蕴含的画家的情感需要有一定的人生阅历才能够感受。从我这个年龄来说，生活的苦难只流于纸面，我明白它在字典中的含义，却无法切身感受到，所以对待绘画作品的欣赏

学油画心得体会篇4

（一）画面构图每一件优越美术作品，无论是油画、水墨画、水彩画、胶彩画或相片，其先决条件必是「构图」。一张油画在创作前必须拟设特殊「美感」、具有风格之景象做为创作之意境。而画面上之「构图」应重视前景、中景、后景、（或上、中、下之分）之层次表达。画面整体联系、以及每部为之相互关系，调配是重要条件。

（二）色彩观念色调以光线明暗、彩度之强弱为油画之生命，一张完美的油画作品，必然其色调之表现、颜色之彩度、光线之明暗，均赖以彩色运作之变化无穷，以彩度魅力呈现于画布上，更能显示出画家的崇高理念。因此在整体画面上必须顾虑到每处部位，色与色之间运作，高彩度画面，充满了作品本身之生命力与活跃气息。所以一张完整油画，必须有计划性，多次在原画面上做其色调配运作，才能呈现其色调运作效果。

（三）适当之绘画技巧运作一张油画作品，除了能以完整构图，即相称之配色及强烈彩度外，需注意到画家下笔之粗、细，广层面之处理、细线条之力向运作；熟练之笔触，能控制整张画面。融合于作品中，表达「优美」、之感。此及美术创作最高境界。（依赖作画经验陶冶出来）往往有些画家为求作品之质性，偶而以画刀、精笔、细笔、松笔等巧妙技术之描画、或重点毅力之强调，助长了其作品之特征。又以彩度之变化层次，彩色间交互配作，让画面更呈显出高雅之感。

（四）画面须具生命价值艺术家精心创作一件作品，必须在作品上显现出该作品之生命、力量。作品平坦、无生命、无活力、毫无价值可言。一般人欣赏作品中能体会到真实感，油画能扣人心弦就是画家的成就感，所以艺术家完成一件好作品，必然在该作品上，每一个角落，除分别重点、次要点、配点外，能凝聚整体生命力。无论是作者、欣赏者都能深入其境，领悟到无数之生命，堪称良作。

（五）作品须「有感情」、「有爱」当我们欣赏油画作品中，会产生爱慕之意、亲切感与热情，并真正流露出「真」、「善」、「美」的意境，自然回归人类爱美的天性。虽然画家以表达自己创作心意而经过多方运作呈现作品，但倘若其作品让大众共同感到厌恶，就是画家技巧再好，也未必能被接受。因此笔者认为一优秀作品必须要有「爱」有「感情」。相信画家本身必能与自己的作品「相恋」、「拥抱」，欣赏者也必然从画中分享到其境真正爱与感性之意味，正是一件乐趣的最高享受。综合上列数点作画过程，年轻时经过许多师长教导、以及长期观摩古今中外名作，并以自己五十年作画心得领悟到的浅见。最后笔者愿以一般平常人所最容易接触的大自然为我们创作与欣赏最佳景象作介绍，因为大自然充满了「美」、「生命」、「活力」、「万物景观」，是最活生生的绘画题材，更是人类无穷的宝藏。我应该珍惜爱护这个大环境，更希望它永垂不朽。

学油画心得体会篇5

在艺术创作的道路上，探索适合于自己特点的风格是不言而喻的事。

我常常想,对于我自己专业方面创作一个大胆的尝试充满兴趣，不时的思考着一些问题，在精心准备之余，却发现还被自己否定,然后在不断的调整，不断的修改，再去探索，这样反复进行着，在我的记忆里面，我常常是带着浓厚的兴趣和激情来画完我的构思，其实在我画的过程中也有很多情况是边画边想，根据一个形体，或者一块颜色，启发我创造另外一块色彩或者一个更有意思的形体，不断的充实画面和丰富画面。这种尝试在创作中我不是经常用，当然一般情况是先想好了基本的方案，然后形体搭配基本上符合我的构思，就开始动笔了。一幅作品其实过程比结果更为重要，过程是强调感受，没有感受，画面打动不了观者，笔者认为作为创作，首先要打动自己。

在创作中，生活中的美往往是具有很强的吸引力的，每个画家对生活都会有一定的偏爱，形成这种偏爱是有多种原因的。除了客观条件提供的可能性外，画家的情感和各种修养形成的感受能力也是重要因素。喜好和表现方式也因人而异。从毕业走上工作岗位时起，我就开始在艺术创作中有意识地从时尚中国服装元素吸收营养。大量地连续地作画，对我的实践很有好处。不断地画，不断地思考，随时调整自己的想法，不断借鉴冷冰川、夏俊娜画家的画法和色调随时补充一些新的设想，随时试验。我喜欢冷冰川所创造的墨刻作品，采用在墨色卡纸上以刀代笔，墨底白线，营造出一个个黑白分明的审美世界。他的布上作品，则采用多种非绘画现成品与油画颜料拌和，在布上堆砌塑造产生类似浅浮雕的空间效应。这两类作品尽管样式和风格各异，但都被赋予一种古典高雅的静穆之美，显示出一种极致化的唯美的`诗意。也喜欢夏俊娜的唯美画面。不重视光影，明暗而多一些油画包括色彩、线条、肌理、笔触以点线面的形式构成动人唯美的画面。

最初，很认真地推敲素描的小草图，把画面的构图安排，然后黑白、色彩构成都考虑成熟，最后都做到心中有数后，动油画刷子就大胆了，也主动了。这次的毕业创作油画《秋思》，就是这种尝试性的作品。这幅作品整个画面围绕少女的内心发展动态构成画面运用最简单的圆点和线条以橘黄为主色调，用暖色调画出周围的花草树木衬托阳台里静静的沉思的少女的内心。情景交融，融情与景的效果表达少女在秋天里沉思时的轻松舒展，对现实生活充满希望。

我的想法很简单，就是运用最简单的线条和圆点画出唯美的事物。艺术创作的道路依旧漫长，如今将要这些尝试是在教学之余的油画创作的心得，是我大学毕业至今油画探索学习的继续，我愿意继续从生活中汲取灵感和不断地进行探索。

学油画心得体会篇6

心灵的痕迹——周绪和（清石）作品欣赏艺术家简历：

周绪和，字清石，1954年出生，自幼酷爱美术，师范学院毕业。参加工作后考入湖北美术学院专攻油画。

清石先生几十年坚定执着地游走在形象与心象之间，艰难坎坷地跋涉前行，寻找着属于自己的精神家园。走遍了全国名山大川，创作了大量的油画。尤其擅长风景油画，他的风景油画给人带来宁静致远的愉悦和美的视觉冲击。以大自然的纯粹美打动人。读者能从他笔下的山川河流，树木花草的“精神”中有所领悟，从中获取灵性。

清石先生的作品及头像被“庆祝中华人民共和国成立65周年”主题《中国邮册》收录，近年来出版了《中国共产党成立95周年主题邮册》，《中国共建党100周年专题邮册》。经国家邮政部门审批，准予出版素有“国家名片”之誉的邮票12枚。先生的肖像和多副作品被《名家风采》杂志作为封面人物出版。诸多作品入编《盛世中国中华情》，《辉煌中国光海魂》，《致敬经典》，《中国名家名作收藏与鉴赏》，《民族艺术》，《盛世焦点》，《采风中国》，《艺术与生活.中国当代艺术家奋斗史》等大型经典专著。

清石先生是当代著名实力派油画家；国家一级美术师；中企联文化研究院理事会副主席；北京艺海丹青书画院名誉副院长；神州书画院会员；北京翰林书画院名誉副院长；中国邮政、中国国际集邮网艺术顾问；国际艺术家工作室成员；国际美术界知名画家；世界美术家库排名画家之一。

周绪和（清石）：浅谈风景油画

中国传统绘画历来讲究意境之美，追求“象外意”，“意”体现了一种品格，“意”之高低决定了艺术作品的高低，艺术作品意境的高低也体现了创作者艺术修养之高低，风景油画作为艺术家表现风景的重要手段之一，如何创作出一幅优秀的风景油画并使观者与之达到共鸣，是风景油画创作研究的重要课题。

在画种林立的当代中国，风景油画之所以占有一席之地，就在于一代代中国画家在运用西方技法创作的同时，融入了东方传统文化元素，开创了一条油画民族化发展之路，在这个过程在对于正在学习油画的学生来说，油画风景是其学习过程必不可少的一门课程，它能使学生感受到大自然的无穷魅力，同时也可以引导学生学习如何去描绘这些美丽的景色，本文主要介绍一些笔者这几年学习油画风景的感受。

风景油画创作的难度胜过情节性的绘画，也就说情感在这里起到了重要的作用。如果仅仅是毫无生机地刻画了原野、森林、大海或者小溪的图像，没有其他“情感”或“精神”的信息含量，就不能称之为好作品。从更广泛的意义上来讲，一切艺术都是情感的艺术，没有情感就没有艺术。在风景油画创作中，情感是贯穿始终的灵魂。罗丹说过：“艺术就是情感。”苏珊朗格说过：“艺术品作为一个整体来说，就是情感的意象。”清代画家孔衍拭也曾说，他画山水“不论大小幅，以情造景，顷刻可成”。

《春风长城》

意境是艺术作品的精髓、灵魂，它是艺术家所描绘的自然界中客观事物与自己内心世界的精神对话，是艺术家内心情感、修养、气质等的自然流露，可见意境是品评艺术作品成功与否的关键。在悠悠的历史长河中数不尽的艺术家为“意境”二字不懈的努力、探索、追求，使得风景油画这一画种日趋完善油画风景及其创作，有些人认为比起人物创作等题材相对容易，再者风景油画难以表现重大题材，也曾长期受到冷落，甚至不少油画家把风景创作当作练笔的一种手段。其实风景油画创作要求更高一些，它需要艺术家具备特有的艺术修养和创作技巧。如果艺术家在技巧方面没有一个扎实的素描根基即组织造型的能力，那是无法进行风景创作的。同时，风景油画创作要求色彩修养胜过其他创作，色彩修养与功力不够，完全可能使一幅风景创作陷入失败的境地。印象派大师毕沙罗，留下了大量田园风光风景画，饱含着浓郁的牧歌情感，完美地表现出了大自然的和谐，洋溢着快乐、新鲜和春回大地的喜气。整幅画透着健康向上的乡村气息，给人以丰满而古老的印象。在表达主观感受上，画家选择了特殊的场景气氛来突出作品所寄托的思想情感，有时甚至改变客观事物的客观形象，并赋予其独特的性格，把自己的思想情感融入其中，思想与景物浑然一体，进而获得巨大的审美内涵。另外，我们有时会看到几个人画同一个景点，但是画面色调效果是不同的，这是对所见所思各有独特的感受和想法，油画风景创作的色调是一种情感的表达、情绪的冲动。自然中瞬息万变的色彩，往往是一种感性而非理性的认识，这是一种因心理因素所形成的色调。梵高，他的油画风景色调与情感是密不可分的。他是一位洋溢热情的人，对生活充满幻想，但生活给予他的却是坎坷和波折。因此，他的画中笔触奔放自由，色调是一种宣泄的主观情感，具有象征性和暗示性，与他所表达的热情十分协调，给人以强烈的视觉感受和独特的心理暗示。他那粗短有力的笔触造成强烈的颤动感，流露出画家内心难以抑制的情感色调，其生动性深深地打动了人心。风景油画创作，是对自然的一种领悟，是传达某种理念和情感的形式语言。面对碧水青山、面对古人前人，笔者在自然的静观、体悟、凝思中，在现实存在与心灵之间寻找自己的艺术表现天地，寻求精神的自然和自然的智慧。风景之性即我性，风景之情即我情。情之所致，笔之所至；笔之所致，情无不至。热爱生活，赞美自然是人类的天性。艺术家们是以个人的特殊视觉把对外部世界的感受表达出来，他们以独特的心灵感受，用千锤百炼的艺术语言说出了人们想说而说不出的，甚至是存在于潜意识中的东西。“师法自然”是很多艺术家推崇的信条。走进自然，了解自然，从自然中得到教化，再碰撞自己的心灵，描绘出千姿百态的美丽风景，使写生作品得到提升，这正是我喜爱油画风景的原因。也许正是这种超乎于寻常的因素，使我在今后的绘画艺术道路上可以坚持发展下去。

油画风景写生既体现了艺术家们对自然的欣赏，又体现了艺术家们对自然的创造，对大自然的内容与色彩进行了深入的研究和运用，让人们对大自然有了更加深刻的认识。作为油画创作的基础，风景写生在油画绘画学习当中起着至关重要的作用，除了秉承传统之外，作为绘画者更加应该与时俱进，在思想观念、绘画理念、绘画技巧技法上，勇于尝试和创新，在表现形式上也要尝试不同的表达。色彩无疑是油画风景写生的魅力所在，绘画者在创作过程中，主观的对画面的颜色进行处理，把个人的情感深刻的融入在画面当中，这是创作的起始。

油画风景写生相对于其他的视觉艺术，所具备的传达能力是极强的，它之所以能够具备这样的传达能力，其主要原因是在油画风景写生的作品当中，视觉元素的体现是恰当合理的，例如构图、颜色、笔触肌理等等，这些都是在绘画者主观的利用视觉效果来引起情感触动。接近生活、感受自然的最佳方式无疑就是油画风景写生，在油画风景写生中绘画者能够很好的把自己的个人情感融入到绘画作品当中。

在油画风景写生的过程当中，对景物的观察到最终构图的确定，是一幅油画风景写生成功的重要标准，最先传达给观者的是颜色，颜色可以说是油画风景写生的生命，笔触与肌理则是油画风景写生中另一个重要的绘画元素。

《长城秋色》

庄子说道“天地有大美而不言，四时有明法而不议，万物有成理而不说”（庄子《知北游》）自然孕育了人类，同时也孕育了万物，万物皆有生命，但是人类自身在发展的过程中并不完全这样认为人类处于对自然的敬畏与崇拜，创作了艺术，艺术对自然的描绘称谓风景画。传统的风景艺术发展到今天，经历了人们对自然的重新认识，自以为是世界主宰者的人们从而对大自然进行肆无忌惮地开发利用，甚至破坏与掠夺，使人类共有的家园遭到无法平衡的损伤森林的破坏，沙漠的延伸，大气的污染，草地的缩少，资源的耗竭，能源的危机，物种的灭绝，水土的流失，生物圈的混乱……人类已面临难以破解的困境。如何面对自然？自然与人是怎样的关系，这给当代风景艺术提出了不容回避的问题，艺术作为人类思想的结晶，富有极强的精神指向与价值取向。它的思考给艺术家带来极大的困惑。

要成为一名风景画家就不能离开大自然，只有通过自然才能表述艺术家的情怀，只有身处大自然的环境中，拿起画笔用我们的思想、情感、技能，将颜色在画布上与自然沟通时，我们才能对自然的精神真正有所了解，实地写生是接近自然的最好途径，我们要坚持写生，大自然是艺术家最好的教师。

在大自然里我们可以随时听到和谐的声音，见到最美丽的色彩，遇到最合适的构图，发现最深刻的有关点、线、面、数、理、体、色等造型因素，进而寻找到艺术语言，体悟视觉艺术中最根本的道理。我自身是非常依赖于大自然，高更曾说过“我们从哪里来?我们是什么?我们到哪里去”。

在滚滚红尘的社会中，人实质上已看不清自身的本质，人在破坏与践踏自然的同时，又那样的依赖与需要自然。“道法自然”与“天人合一”对当下人的精神是何等重要。对于描绘自然为母体的风景艺术更是精神支柱。在人欲横流的社会里，人们需要它的慰藉，用纯真洁净的自然风光浇洗人类狂妄的理念，提示人们从哪里来，在干什么，而艺术家就是这风之神，在无言而美丽的自然天地万物中，孕育出有生命，有灵魂的作品，这大概就是风景艺术的境地吧！这也是我的追求吧！

一、风景油画艺术语言的发展现状

我国的风景油画在长期的发展过程中，既出现过非常繁荣的景象，同时也出现了对油画发展多个视角的探索研究。其中有很多画家继承了传统的“外师造化，中得心源”的创作思想，表现出了对自然的感受。其中很多优秀的画家都曾为这一课题进行过坚持不懈的努力，比如董希文和罗工柳以及吴冠中等。此外，王琨和王克举在对大自然作画写生等方面也非常的擅长，王克举更是在创作过程中综合考虑了西方的表现主义结构意识和中国传统绘画，通过一种动态视野，最终形成的意象非常能够体现本质特征，使得其作品看起来充满激情，色彩感非常的强烈。因此，翁科举的作品既具有西方绘画艺术的奔放，也具有东风绘画的含蓄。王琨在其作品中将感官的意象转变为对事物的塑造主要是通过写的形式进行的，其作品的主要特征就是能够做到以书入画。综合他们作品的共同点来看，在创作过程中带有我国传统绘画艺术的思维，通过写的形式对意象进行转换。我国的当代艺术在近几年实现了快速的发展，整体上呈现非常繁荣的景象。

越来越多的人开始对风景油画进行关注，不管在油画方面修为的高低，也不受其他因素的影响，都开始关注这一领域。在创作过程中对我国的风景油画进行借鉴的油画创作者也越来越多，她们选取的角度不同，很多人只是简单的模仿，照搬水墨趣味以及文人意味，在表面上呈现出了反复纠缠的表达效果，使得很多作品的优势和特色逐渐的消失殆尽，表现了这些作品过于表面化的倾向。实际上，风景油画所体现的主要是创作者在创作过程中外在人格的直接表现，传统的绘画也特别重视人品及其画品的修为。在一定程度上，写意能够集中的体现创作者的思想和精神，而不是一个看起来十分简单的过程，需要创作者们不断的对其进行研究和探索。

《绿色家园》

二、风景油画艺术的语言方面的特征

我国的风景油画已经经历了很长时期的发展，其中的创作风格多种多样，能够给欣赏者带来非常直观的印象。对于油画语言的表达来说，需要油画的造型、色彩等多种元素组合之后共同进行表达。在不同的发展阶段，油画语言的表达形式也各不相同。在一定层面上讲，艺术语言可以很好的表现出作品的内容及其形式，具体的说体现在这样几个方面。

（一）多种材料的属性美能够得以表现

现代技术的不断进步与发展夏，极大的促进了油画工具的发展，可以在创作过程中描绘出多种语言的特性。风景油画创作的风格更是伴随着时代的进步而不断的发展，呈现出较为明显的多元化的趋势。在这样的背景之下，很多年轻的画家开始探索如何将新工具应用在风景油画的创作中，在多个层面也都继承了我国的文化传统，创作出了具备时代特征的风景油画作品。风景油画的创作过程可以使用具备不同特性的材料，在构造画面的同时能够体现出创作者的个人情感。实际上，当前时期的很多风景油画为了使画面的自然特征能跟画面实现完美融合，以提升作品的表现力，都比较注重肌理材料的运用，来表达油画的艺术语言。通过在创作过程中表现出多材料的自然属性来增加作品的语言特性，使得这些材料逐渐的成为了当代风景油画重要的艺术语言特征。

（二）风景油画形式语言的丰富特性

风景油画艺术在我国经过数十年的发展以后，创作出来许多极具我国民族文化特色的油画作品。创作者在进行创作时会将个人的情感和经历与绘画语言相融合，实现二者的紧密联系，比如，中国风景油画艺术家们系统的学习以及分析了中国传统的绘画表现新市，诞生了很多非常优秀的老一辈艺术家，比如刘海粟、吴冠中等，他们对如何在风景油画的创作中体现东方山水风景的特色进行深入研究。另一方面，在表现同一个地域的风景时，不同的创作者在进行创作时的风格也是完全不同的，创作出来的作品也是差异很大的。我国风景油画语言的表达形式具有多方面的内涵，其中包括西方传统油画的表达形式，也包括我国的一些明星的地域特征，也形成了较为独特的艺术风格。无论是从风景油画的线条还是色彩亦或是形态，都能够体现其语言的丰富性质。实际上风景油画的创作对于很多创作者来说都是用来表达自己内心的情感，观众从作品的色块和笔触等特征中都可以发现：风景油画的创作形式是本质上体现的是一种文化，也能够表现其中的和谐。在表达方式上，更能够体现画面的冲击力。

（三）对绘画形象语言进行解读

现阶段，创作者们更倾向于对风景油画进行创作，来表达内心的情感以及对社会和自然环境的态度。根据油画的发展历程来看，风景油画的艺术语言更加的真实，也非常的生动，对作品的创作做了非常好的铺垫，非常能够体现创作者在创作时的情感。根据创作油画作品的过程上来看，一些优秀的风景油画作品都能够在看似隐蔽或者清晰的画面中表达出一种非常原始的本性特征，也是对油画作品画面效果所进行的高度的概况与凝练，同时也更加的注重对作品形式与内容上的统一。最重要的是能够从多种角度来表达创作者的思想情感。因此，创作者在长期的创作过程中都能够形成具有个人特色的表达方式。

油画创作者对于油画艺术的语言进行转换、重组和融合的过程使得观众的欣赏不再仅仅局限于风景本身的特性，更容易被作品所反应出来的深厚的文化底蕴所叹服。比如，意向风景油画既不是写实，也不是抽象，而是借用自然形象来达到表达艺术家内心情感的目的；另外抽象油画使用聚合和分割的方法，不需要对客观形态做出真实描绘，能够直接体现出了艺术家客观感受。

三、中国风景油画发展展望

现阶段中国风景油画在制作范围技术手段上以及精神层面与西方风景油画相比，都有很大的差距。因此，在当前时期要促进中国风景油画的发展，必须要将风景油画的特点与我国传统山水画的创作特点相结合，才能够走出一条具有中国特色的风景油画发展道路。首先，中国传统山水画更加重视意境，注重天人合一协调关系，追求高深旷远以及完美人格的精神寄托与象征，收到了中国传统哲思想影响，重视完善人格精神的自由探索。其次，中国山水画通过线条来造型，谢赫六法论当中骨法用笔更加重视线条的力度，体现线本身变化所产生的情感元素，和面比起来，线的表达在抒发主观情感方面更加的直接和自由。最后，中国广阔的地理环境以及浓厚的人文环境都是艺术家取之不尽的创作源泉，当前我国社会背景，也为油画艺术家提供了内涵不同的风景。

中国风景油画的发展本身就是一个长期过程，需要西方艺术以及中国传统艺术之间的长期交融和接触。中国悠久的传统文化精华是推动中国风景油画发展的重要精神源泉，中国风景油画需要从传统入手，比如书法艺术和山水画艺术，并且从中吸收营养，吸收西方传统油画的精华，从而创作出最美的风景油画。

四、结语

目前风景油画趋向于回归生活本源，按照写景之道，探索与借鉴风景油画的笔墨元素，加强油画语言方面的东方品质转换，尝试在语言上探寻新突破。在这种背景之下，风景油画艺术语言逐渐呈现多样性，语言突变也出现了更多可能性，这对于新时期风景油画发展必然有积极的推动作用。

通过本文的研究，能够为当代中国风景油画艺术语言探索和多样化并存提供一定的理论线索，并且对当代风景油画创作中新形式语言提出有益见解。特别是在当代风景油画艺术语言呈现出多元化发展的阶段，当代风景油画艺术语言并不是简单的表现技法上的改变，而是艺术家深层次的思想与艺术家审美主张之间的融合。

（文/周绪和）

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