油画，作为架上绘画的一种表现形式，具有丰富的表现力和极强的包容性，从表现的材料的物理性来看，油画具有其他画种无法替代的趣味性，深受广大观众的喜爱。油画在我国发展的历史不是很长，但它早已成为我国绘画表现形式中的主力军。在学习油画的20余年里，笔者作为油画学习者中的一分子，至今还不能算是入门，自身感觉学习油画除了需要极高的天分之外，还需要用心、深入地体验与反思。油画创作离不开对表现对象和本体语言的体验与反思，离不开对表现形式的探索与反思。

一、对表现对象的体验与反思

表现对象是油画创作的内容，是创作中无法回避的研究课题，它可以是具体的，也可以是意象的，更可以是抽象的。无论画作是具象的、意象的还是抽象的，都必须经过画者头脑的体验与反思，才可能形成具有感染力的绘画作品。首先，画家要对写生的对象进行深入地察，从人物的外表（性别、年龄、衣着、色彩、姿态）到人物的内心世界（气质、性格、表情）等。笔者曾经听一位老师说过一句话，至今记忆犹新，他说，在观察事物的时候，我们的眼睛要像饿狼一样敏锐、贪婪，不要放过每一个细节。

人物是我们最熟悉不过的客体，但最熟悉的往往在视觉中成为视而不见的对象，我们的认识往往容易落入概念的窠臼和表面。对于大部分人来说，他人的存在只要我们感觉得到并使自己有安全感就足够了，无需观察他们的形态和特征。但是，若要把人物搬到画面上去，不仔细观察是不能完成的。深入地观察不但要入木三分地把握每一个细节的变化，还要注意体会其中的联系以及各个部分相互间的影响。

美国画家基蒙·尼克莱代斯著名的素描教学法就十分强调视觉与触觉的结合，他倡导一种素描的写生方法叫盲画，就是不看画纸和画笔，眼睛紧盯着描绘对象的体型轮廓，目光缓慢地随着对象的形体轮廓移动，手中的笔也随着目光的移动而移动，目的是训练画者学会用目光去触摸对象。刚开始用这种方法练习时，笔下画出来的物象一开始是完全走形的，但盲画出来的线条不像平时画出来的线条的样子。经过一段时间的训练之后，盲画的准确性在提高，最重要的是感知逐渐深入了，不再停留在浮躁的阶段。一些有成就的画家在谈到体验表现对象的过程时，总是强调要充分而全面地调动身体的所有感官，同时，把视觉上的深入观察运用到极致。笔者的老师钟以勤先生曾告诫我们：观察对象的时候要学会用目光触摸，用目光体验对象的质感和细微的起伏、转折关系，甚至要体会对象的温度和体内的脉搏，要想象你的笔触是在对象身体的表面上移动，让自己身心感受融入到对象中去。

但是，仅仅是这样的体验和感知是不够的，这不过是对物体知觉的常识性观察，这样的观察使人很容易陷入客观主义思维的模式，被自然对象牵着鼻子走，成为自然表象的奴隶。观察要融入到对象中去，反思却要能跳出对象。画画不同于照相，并不是把客观现实完全照搬到画布上去，即便是对景写生，表现的也只是相对正确的关系。因此，这个表现的过程就是一个主观处理的过程，主观处理的过程就是反思。观察不仅要深入揣摩表现对象的本质特征，同时还要摆脱表现对象客观实在对艺术表现的束缚，打破普通视知觉的经验和常规，从对客观对象的观察中寻找属于自己的独特视角，避免流俗或雷同。面对不同对象的写生，体验会不同，反思也就大相径庭。对客观事物体验的方面不同，个人反思的取向不同，得出的结论即呈现的画面效果也不同，也就造成了千人千面的风格。

二、对本体语言的体验与反思

油画本体语言潜藏着无限的可能，并通过画家对材料创造性的理解和使用方式产生不同的艺术效果。油画本体语言包含了颜料、媒介、基底材质、笔触等多方面的综合元素，如果忽略了任何一方面的研究，都会对语言的表达产生阻碍。因此，对油画本体语言深入的感知体验也是一个不可或缺的环节。对油画本体语言的体验从初学到入门以及从入门到挥洒自如要经历十分漫长的过程，对于个别有天赋的画家来说这个阶段可能会短一些，但更多的人都经历了数十年的探索与实践，才能真正把握其性能特点。

绘画材料进入到艺术创作的语境中改变了身份，它们不再是单纯的材料，而是被赋予了一种寓意、象征和存在的价值的本体语言，成为画家自我的延伸。一般在创作前，画家对选择运用的媒材都会预设一个基本效果，但对创作过程中产生的变化未必能完全控制或把握，因此，必须要及时总结经验，进行必要的反思，以达到熟练掌握和控制所运用的媒材，确切传译个人语义，从而达到实现自我表达的目的。画框作为油画的依托和载体，内框与画布质量的好坏，直接影响作品的质量。许多大城市的画家已经不再自己绷画布、制作画底，这个环节的省略可以为画家节约许多时间。然而笔者认为，如果从学习油画开始就从来没有经历自己动手做底的过程，一般是很难发现基底材料对作品影响的奥秘的，也很难找到适合自己绘画表现的载体。要深入了解绷画框的程序，并可以根据自己绘画的要求对画布质地进行挑选，对画布基底材料的性质有选择地制作，是保证创作顺利完成的前提。

就单纯的物质特性而言，油画颜料的色性稳定，却因不同的使用者和不同的使用方法而千变万化。单就调色的顺序不同、敷色的厚薄不同、笔触的肌理不同、运笔的方式和力度的不同，油画颜料都会由此而产生不同的结果，其丰富微妙的变化需认真体察并加以总结才能逐步掌握运用。初学油画的时候很容易被其稳定的色性所蒙蔽，认为油画没有干湿变化会比较好把握，通过一段时间的学习才发现其实不然。认识、理解了油画本体语言的意义也将在画面上实现表达的意义。油画与生俱来的包容性，更加扩展其语言表达的可能性。在最近的十余年里，中国的油画家们在油画媒介与材料方面做了大量的探索，取得了长足的进展，使油画这个架上绘画表现形式在中国的发展还方兴未艾。

三、对表现形式的探索与反思

对表现对象和本体语言的体验与反思，是掌握油画语言的初级阶段。要真正驾驭油画，运用油画进行创作，还必须对艺术表现形式有广泛而深入的了解。任何一幅优秀的艺术作品的产生或一种艺术风格的形成都不是孤立的，都体现了作者自身的艺术积淀，也反映了作者对前人艺术表现形式的继承与发展，还体现了作者对传统的反叛和超越。

表现形式是作品主题的艺术思想阐发的最重要的方式，形式语言比直接的说教更具力量。重构是艺术家对既有的绘画形式的探索和反思，它具有两种基本特征：一是创作观念上的“形式自律”和“主观创造”；二是艺术家发挥主观创造性，在作品中将自然形象解构，重新组织画面结构，建构出一种非写实的艺术形象。绘画形式的探索和反思既满足了艺术家的创作欲望，充分释放艺术家的创造潜能，发挥艺术家的自主创造力，又促进了艺术风格不断推陈出新，使艺术世界更加丰富多彩，满足公众多元化的审美需求。

被称为“现代绘画之父”的塞尚，在观察自然和艺术创作实践中，通过探索、反思、创作、想象，形成了个人的艺术主张：用圆柱体、球体、圆锥体来处理自然，其作品形成了概括性、结构性、秩序性、主观性、自律性、重构性和创造性的鲜明特征，他是站在前人丰厚的积淀上开拓了新的艺术疆域。“塞尚一小步，艺术一大步”，这是对个人在形式语言上进行的探索反思取得的成果，推进着艺术发展进程的最好注解。

在当下纷杂的艺术思潮下，要取得油画创作的新发展，不仅需要画者放下急功近利的浮躁之心，保持坚持创作的恒心和定力，还需要画者能潜心体察表现对象和油画的本体语言，并对表现形式进行不遗余力的探索与反思。

学油画心得篇2

今年，我有幸参加了海南省幼儿园教师美术教学能力提高培训。培训前三天里，我们先是在吴官友老师的指导下，学习了一些美术基础理论和技能。吴老师通过课堂实训和教学展示，对我们进行了绘画的基本技能如素描、色彩、简笔画理论方法和技能的提高培训。在培训中我们学习了如何表现物体和光线的关系，人物的比例关系。用了幼儿园最常用的油画棒，学习尝试了平时很少涉及的画法：风景、花鸟;学习用更专业的方法和技能画人物和动物;如何创作简笔画。我学习到了画简笔画的规律和关键：角度和特征。知道了如何将绘画对象简单化，找出绘画对象最具代表性、最基本最突出的特征，并用流畅动态的线条表现出来。简笔画在幼儿园使用最多，对我们今后的教学和工作帮助非常大。

我们还聆听了海南省军区幼儿园于娴园长的讲座《幼儿园美术领域活动》。在讲座中我收获很多，讲座更新了我的美术教育理念，解开了我多年来美术教学的一些困惑，坚定了我对自己教学的一些尝试的方向和信心。主要有以下几点收获：

一、教师要更新自己的美术教育理念，知道美术教学的核心要素是让每个幼儿学习如何在生活中发现美，感受美，乐于用自己的方式表现美。而不止是美术技能的传授和简单的临摹。

要让幼儿发现美、感受美，可将美感教育融入幼儿一日生活中，例如可引导幼儿从大肌肉活动中感受身体的美，从人际交往中感受善行的美，从阅读中体验文学的美，从科学活动中感受大自然的美，从数学中感受秩序的美，色彩、图形、建筑的美，让幼儿发现美无处不在。学会欣赏，幼儿才能够表现和创造。

二、儿童在美术的发展上是自然发展的过程。不应过早地教授绘画技能，干扰幼儿的发展。

幼儿画画不是教会的，受制于幼儿的认知水平，教师所教的绘画技能是很难迁移的，幼儿的绘画技能是在大量表现表达的机会中自然成熟的。

三、幼儿绘画需要大量更多的观察，只要得到充分的观察，抛开绘画技能的标准和要求，幼儿天生都会用自己的方式画任何他们想要表达的东西。

四、幼儿绘画时，尽量少提供范画，特别不应要求幼儿按照范画来画。

范画临摹局限了幼儿的思维和对事物的认识，使幼儿的绘画模式化。而范画临摹对绘画技巧的要求，会使幼儿对绘画丧失信心和乐趣，导致常常有幼儿说“我不会画”。

五、最基础的技能技巧如点、线、面的学习。

在以往的教学中，我常常遇到这种情况：我很少出示范画，一般都会出示各种图片引导幼儿观察，再讲绘画方法和技巧，可是常常有幼儿说不会画，或者画得不太好，为此我常常困惑到底要不要教技能，怎么有效的锻炼幼儿的绘画技能?

于园长在讲座中提到诸如点、线、面等最基础的学习，可融入到情景性强、与幼儿生活经验相关的绘画练习中，采用多种表现形式和材料，用游戏的方式去练习。如果是内容、形式枯燥单一的练习会让幼儿失去兴趣，不能充分感受绘画的美和乐趣。可以欣赏一些有趣的作品再尝试模仿再创作：如吴冠中《小鸟天堂》。点的练习可通过手指点画，线的练习可用毛线沾颜料，面的练习可用棉签、海绵印画等更有趣的材料进行。我觉得这些可在集体活动中进行，也可以在区域活动中进行。

六、教师设计的美术活动，要让幼儿自主学习，给幼儿更多表现表达的机会，必要时才给予支持。允许幼儿用自己的方式表达，组织幼儿互相欣赏作品，鼓励、倾听幼儿表述自己的画，理解、欣赏幼儿的作品。如欣赏活动可在每天的离园活动时进行，请几位幼儿来向大家说说自己的作品，可以提高幼儿的表达、欣赏作品和他人的能力。

通过这几天的学习，我感觉自己在绘画理论、技能技巧和自身美术素养都得到了提升，对今后的幼儿美术教育教学有了更明确的方向和信心。

学油画心得篇3

在幼儿园，美术活动是幼儿喜欢的一种艺术活动，是幼儿认识世界、探索世界的重要手段。幼儿园美术教育的目的在于培养锻炼孩子的观察、记忆、想象、表现和创造能力，幼儿把自己关注的热点、感兴趣的事物和幻想的美好世界画在纸上变为现实。因此，活动中教师应尽量避免呆板单纯学习绘画技巧的教学方法，而要通过各种途径，运用灵活多样的教学方法，让美术教育发挥更大的作用。

一、兴趣激发法是激发幼儿的学习兴趣是幼儿创造性的基??

俗话说，兴趣是最好的老师。那么，怎样激发幼儿的兴趣呢？教师要注重丰富孩子的生活经验，调动幼儿绘画的积极性。并通过游戏活动，培养幼儿的绘画兴趣。在幼儿绘画活动中，教师运用游戏的方式进行活动，也可以使幼儿毫无思想负担，在自然、轻松、愉快的游戏中获取知识和技能。在选择活动内容时候要大胆创新，选择一些贴近幼儿生活、幼儿喜欢的美术活动，激发幼儿的兴趣。绘画是幼儿的游戏，但也有的孩子对画画没有兴趣，其原因是多方面的。材料是否吸引幼儿、选材合不合适？是否是幼儿能够独立操作的？那怕是同伴一句不经意的评价也会影响幼儿的绘画兴趣。在教学活动中，教师首先要考虑选材是否合适。

二、观察与认知脱离“示范——模仿”的传统绘画教学方式

要求幼儿要通过自己的眼睛看、脑子想、用手画来完成创作。但也有的孩子画不出形来，这往往是因为他没有很好的观察事物。如，幼儿画树时常常把树干画成一个长方形，老师可以带幼儿观察一颗真的大树，摸一摸树干、看一看树枝的样子。

三、构思、绘画法鼓励幼儿先想后画

来学习构思，使绘画活动不仅是幼儿动手操作的活动，更是动脑思考的活动。通过老师的引导，幼儿学会了在生活中学习构思，在游戏中学习构思，在想象中学习构思，在观察中学构思，幼儿美术活动的全过程都强调以游戏引发孩子的兴趣和表达表现的欲望，探讨怎样把自己一系列想法中的重点内容表现在画面上，培养幼儿的想象力和审美能力，美术课最重要的任务就是激发引导幼儿的想象力。

四、在评价中让幼儿充分体验到成功的快乐

对于自己的作品，幼儿很在意老师与同伴的评价。鼓励性的评价可以保护孩子的创作热情，期待下一个活动的到来。评价的目的就在于激发幼儿绘画的兴趣和积极性，使幼儿感受到自己的进步，发现自己的能力和才干，让幼儿体验到成功的快乐，从而促进幼儿的发展。

学油画心得篇4

油画它的概念很容易界定，那就是必须用油彩涂在布上或纸上或板上或是其他物品上成图画的一种绘画形式。它的最大特点就是必须用油画颜料。概念虽然容易界定，它的方式却是五花八门的。我们谈的是写实油画，古典写实也好，新写实油风也好，照相写实主义也罢，有明确的写实手段呈现意图的观念艺术也行，总之，它们在技巧上都有写实功夫这么一个基础。

油画没有标准，好的就是坏的，坏的就是好的，这是中国油画家的幸运吗?算是吧!生存在这个时代，我个人认为无论是观念如何更新，油画总还有 “技术”一说。我喜欢高超技术下所体现的现代观念，也喜欢高超技术下的古典观念。也就是说，它应当首先是好的，好的东西我想永远会是好的。

画家可以在画中创造另一个天地，要如何去画，就如何去画，有时要表现现实，有时也不能太顾到现实，这种取舍，全凭自己的思想。画一件东西，不应当要求太像，也不应故意求不想。求它像，当然不如摄影，如果它不像，那又何必画它呢?所以一定要在像与不像之间，得到物的天趣，才算是艺术。

作画要明白物理，体会物情，观察物态，这才算是到了微妙的境界。由理生情，由情生态，由态传情，这是自然的道理。可以感觉到身边的东西是可以去触摸的，手伸出去以后，却发现它是“无限的”。什么叫“无限”，无限就是你掀开眼前的树枝看到前面有山，再往前走有羊，有更多的树，有鸟，穿过树林有条河。河边有草。。。。。。全部都是细节，这才是无限，绘画的无限。

有人以为画油画很难，有说要生来有绘画的天赋，才能画好。鲁迅先生曾说“即使天才，在生下来的时候的第一声啼哭，也和平常的儿童一样，决不会是一首好诗”。

学习油画要从最基本的着手，也就是基础。首先是素描，画素描绝不单纯是打轮廓，素描不仅由线条所组成，它还是具有表现力，有内在的形，有画的全局，是艺术的雏形。我知道在素描之后将产生什么东西，它本身包含着全画的四分之三强。阿佩列斯说：“不要虚度哪怕是一天连一根线条也画不出的日子”。他已经说的这样肯定，在研究描绘对象时，首先必须注意整体，向整体要答案。其次，色彩尤其是水粉，我们所要掌握的只有一般规律，即人物的基本解剖知识，基本形体结构，及明暗调子和色彩变化的规律。要表现出物体的质感或人的个性特征，空间感，色调和谐，色彩关系准确等等。我们在水粉写生中，要求形色合一。素描中的黑白灰概念在彩画中要以冷暖色块来代替，用改变色彩冷暖来表现形体的变化。再次，速写。绘画学习方面以速写最为方便，最简便的方式。速写语言简洁，生动，操作直接，方便，趣味的自由变化是它在艺术门类之中不可代替的。应该说，速写是一种综合能力的训练，有利于养成良好的观察分析的习惯，有利于锻炼迅速捕捉生活瞬间的能力，增强形象记忆能力与造型能力，保持画家与客观世界的联系与交流，更有利于艺术语言的不断探索和认识，而且，跟不同人的多样实践体会，应有很多特殊的收益。那么最终速写写什么呢?写形，写神，更主要的是写情。

学油画心得篇5

__年03月05日上午，有幸能够听到王中年大师在乐东中学的有关于中国绘画和他的艺术人生讲座，这次讲座对于我们非美术专业老师来说，是一次非常难得的学习机会，时间虽短，但感收获颇丰。

接触美术最早是从素描开始，所以慢慢就觉得画得越像就是越好的，但是现在才发现其实不然，就像王中年大师讲中国绘画和西方绘画的时候说：“中国绘画注重意境而西方绘画注重写实。”西方绘画是表象的，具体的，非常的写实，讲究的是对自然的真实表现。所以西方的画很像十分逼真。而中国绘画不同于西方绘画重于写实，中国绘画重在写意，这个写意可不是大概其意，写的是意象、理想，写的是画境、意境，更是一种境界。所以有那么一句“诗中有画，画中有诗”的说法。所以中国画光靠技术是不行的，你不仅要画得好还得有文化。他涉及到诗、书、画、印各方面的修养，这也是中国画中总是有着深刻的内涵！同时中国绘画是圆中求方而西方绘画是方中求圆！

美术对于我来说一直只是一种兴趣爱好，虽然它现在成为我工作的一部分，但是我却从来没有系统的认真的去学习它、接触它。而我们在教学的时候也只是教一些简笔画和手工之类的，很少教学生学习中国绘画，可能这和学生的能力程度有关，但是不可否认这也是我们的存在的缺失，我们不了解中国绘画，同时在美术的教学中我不能以像与不像来评价孩子的作品，要多去看看学生作品所表达的意思，而王中年大师的讲座正好为我们打开了这扇窗！在以后的教学中如果有机会可以让学生都接触和了解中国绘画，在教学的过程中和学生一起了解中国绘画，让人生充满艺术！

学油画心得篇6

4月23日下午，由尚波、许丙屯主讲的“浅谈当下油画写生创作的多元化”主题讲座在大芬美术馆举行，吸引到大芬画家、深圳及周边的艺术从业者和爱好者近百余人参加。讲座主要内容如下：o1

尚波：舍外求内——浅谈当下油画写生创作观念

?格桑的好时光》

尚波、郝强 / 220cm x 200cm / 油画 / 2018年

?惠丰合唱》

尚波 / 160cm x 140cm / 油画 / 2020年

?老围西五巷系列一》

尚波 / 200cm x 200cm / 油画 / 2021年

许丙屯：浅谈当下油画风景写生创作

我以我的创作方式跟大家去分享，希望能对大家有所启发。随着时代的变迁和发展，任何事物不断的演变才能跟上当下的时代，才不会被淘汰，艺术也在变化，从传承到创新的变化，这就是发展的必经之路。如果我们都停留在某一个过去的时代观念中，就很难走出来。所以当下的风景写生不止于自然再现，而是人和自然的结合，更多的是用体会的方式去呈现，我们也是自然的一份子，我们生命在大自然中体验到什么？我想这样更能达到写生创作的目的，每一个人写生都有独特的感受，画面也就有多元性的表现，是在工作室里代替不了的，从个人的情绪延伸到大方向的地域性，季节性，以及时代性等。

我觉得风景是分开来解的，我们大多数人都注意到景而忽略了风。景便是大自然，是一个承载体，到处可见便是景。风对于画家来说，风是情怀、品质、风格，也是精神。这些都是因为画家本身的人品和气质去定格，风是一种形而上的表现。我心中理解的风景，是景中带着风，是风中全是景，风和景相互交融。

?丝路古城系列八》

许丙屯 / 120cm x 150cm / 油画 / 2019年

?故乡的海系列六十》

许丙屯 / 120cm x 160cm / 油画 / 2020年

?南风系列六十九》

许丙屯 / 60cm x 80cm / 油画 / 2020年

大芬美术馆

大芬油画村文化发展中心

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17:00 停止入场

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（▲再出发——大芬画家入选国家级、省级美术作品展）（▲ 大芬本土艺术家推广工程——尚波绘画作品展）（▲大芬本土艺术家推广工程——许丙屯油画作品展）

学油画心得篇7

“艺术的力量能触动心灵，开阔思想。”

艺术来源于生活而高于生活，艺术创作总是以我们的生活体验为基础的。作为艺术创作，它反映一定的主题、思想、情感，而创作主题、情感又来源于生活的积累。任何艺术家在进行创作之前都是经历了一个深入生活、积累生活、体验生活的过程，并在生活中选取触动自己心灵的素材来进行加工和创造。脱离了生活基础的作品，缺乏深刻的精神体验的作品，是没有生命力的、矫情乏味的东西。

绘画语言的构成除了视觉因素的形、光、色外，在另一层面上看绘画语言也是一种精神产物，绘画本身也传达了一种观念，绘画语言不应仅仅停留在技巧和形式的探索之中，它是将技巧、知识、直觉和感情与材料融合为一体而形成的。艺术是精神和物质的结合。而油画作为绘画的一个重要门类，它是在二维空间内，通过色彩、线条和形体来模拟客观事物的形象的。其中油画创作是每一个从事油画事业的人，在学习过程中非常重要的一个环节。油画创作包括许多方面，如创作的来源，立意，题材，画面构成，色彩，工具用法等等。但归根结底，我认为其中最根本的要素，就是创作的来源及创作的意义，我们以生活为深厚的创作源泉，创作源于生活，高于生活。源于生活就是要求我们尊重生活的真实，尊重生活的体验，以生活为原本，有感而发;高于生活就是要求我们用个人的艺术语言高度概括地表现对生活、对艺术的`认识，使我们能够在普遍的司空见惯的生活中发倔真善美。

艺术创作是人类所涉及的艺术活动的核心部分，在人类社会历史的长河中，艺术活动从诞生开始，随着人类社会的发展而产生了众多的艺术门类。每门艺术的创作表现方法各异，但它们对人类的意义却是具有共性的。它们共同来表现了人类的情感和社会实用功能。艺术即取决于社会和个人，又对社会发展和个人生活产生着重大的影响。

苏珊·朗格说：“艺术是人类情感的符号形式的创造。”所以首先，艺术创作是人类抒发情感的需要。是人类表达情感的一种表达方式。而美术作品中，通过一些形象的反映和色彩的应用，表达作者丰富的情感。

人生有顺境与逆境，有成功与失败;有进取的斗志，也有堕落的颓废;有悲欢离合，也有喜怒哀乐。而这些种种人生际遇与情感都是艺术永恒的主题。我的油画创作“蝶韵系列”灵感便来源于我对青春的理解，也是我对青春理解的一种表达方式。每个人都有属于自己的青春，人生中青春是最最美好的，精彩的阶段.的确，我们一生最美好的季节莫过于青春。“青春是生命之晨，是日光之黎，充满了纯净、幻想及和谐。”青春像朝露，蒸腾着热气，散发着热量，放射着耀眼的光芒。青春是一股清泉，一种质朴的情愫，一股奔涌而出不可遏制的力量，一种过人的睿智。青春的时光是用金子铸成的，比什么都可贵。青春带给我们的感觉是那么的美好，那么的想抓住，当它悄悄溜走时总是让人显得是那么的无奈。所以人们总是感叹着生命短暂，青春短暂。但是我认为青春不仅仅只是人生的一个时期，它并不只是一个时间的概念，更不只是朱唇红颜，而是一种坚定的意志、丰富的想像、饱满的情绪。青春的内涵是战胜胆怯的勇气、敢于冒险的精神。是一种面对人生的态度，我想尝试通过我的作品让自己永远记住这种青春的心态，也希望看画的人通过我的作品能够记忆起曾经青春带给他们的梦。

“蝶韵系列”两幅作品主要由人物和蝴蝶组成，画面笼罩在一种青春气息很浓的氛围中，我想摆脱明暗对色彩的束缚，发挥它本身对人的情感和心理的影响作用追求鲜艳夸张的色彩刺激。画面中女孩儿白皙的肤色，清澈的眼神，俏皮的动作，处处体现出青春的美好，在背景色彩上我采用了单纯的平涂方式，色彩以亮色为主，画面追求色彩的平面性，通过较为夸张明确的色块层次来实现画面的强烈对比，塑造出青春的形象，来透彻的表达自己的主观感受。而蝴蝶则是作为一种象征性的符号出现在了每张作品的不同地方。它象征着青春之旅并不仅仅是鲜花满地与阳光普照，更多的时候是疾风骤雨，是磨练与洗礼，并不是每一只蚕蛹都能破茧成蝶的，它们也要经历风雨，痛苦的挣扎，不懈的努力然后展开那双美丽的翅膀飞向空中。前方的路程无法丈量，穿越的过程便是追求的证明。

“谁勇敢的接受过青春之火的洗礼，谁就毫不畏惧晚年的严寒冰霜”。青春不仅是年龄，更是一种精神一种心态，是一股永不服输拼搏奋进的精神。

学油画心得篇8

薛宝春，风景油画家，满族乡，1979年生于辽宁省葫芦岛市绥中县风景如画的范家乡。其自幼酷爱绘画，2000年开始北上学习油画生涯，报中央美院油画班深造，经常在各大美术馆及艺术区参观学习。从始至今一直坚持自己热爱的艺术道路，在风景绘画风格上随心所欲追求神来之笔，大刀阔斧通过粗犷豪放的刀痕笔触，把对大自然风景热爱的激情，淋漓尽致地从作品中表现出来。

油画风景写生感悟与创作的主观性表达文/薛宝春

【内容摘要】油画风景写生与创作，不仅是对客观事物进行简单、直接的描绘，而且需要油画风景艺术家根据自身的艺术修养，进行画面的艺术再创造，即主观概括与艺术的表现。因此，油画风景写生与创作在美术专业技术层面上的要求，也无不体现出艺术家对自然风景的解构与重构过程中的美学观念、文化素质与人格体现，以及个人情绪的表达。

《拖拉机系列1》80x120cm 布面油画 2017 23000元

一．怎样选景

选景首先是自己喜欢的、让你激动的风景。切记不能尾随别人，随随便便抓个景来画，往往画不好，原因很简单：他人的意识强加给你，未必适合；他人的审美代替不了你自己的审美，每个人接受到教育环境不同，是有差异的。在选景的时候，要找到恰当的着眼点，根据自己擅长的技法特点，有所偏重，好看的景不一定入画。

《拖拉机系列2》50x60cm 布面油画 2017 8000元

选景时要注意的两点：第一是风景与太阳的位置关系。早晨时，西边的景受到阳光的直射，色彩饱和。而东边的景相对逆光，色彩倾向不明朗。如果考虑到用早上时间完成一张画的话，优先选择西边的风景。下午时，由于太阳的位置变化，正好相反，东边的景色彩上优于西边的风景。

《拖拉机系列3》60x80cm 布面油画 2017 15000元

第二，突出主体、意境，优先考虑色彩。多数学生选景时，缺乏画面的主体意识，往往看到风景还不错，就开始动手就画，画面中没有主体、重点，像一张画的局部，分不清主角和配角。更谈不上产生意境，意境的前提必须被眼前的风景所感动，情与景交融，从而有了表现主观感受的愿望和想法。意境成为了画好风景油画的重要因素之一，意境深远，作品的品位自然高，意境平淡无奇，作品必然低俗粗劣。油画风景与国画风景不同，油画独有的色彩美及材质美是国画不具有的，从某种意义上说，油画的优势还在于色彩，油画的色彩具有较强的表现力，所以，在选景时我们可以让学生优先考虑色彩，美的风景首先是它的色彩打动你，其次才是它的造型。

《激情夏天写生》50x60cm 布面油画 2017 12000元

《抽象生日花》60x80cm 布面油画 2018.3 15000元

二、构图与构成

在选定景之后，就可以开始动手写生了，作画过程的第一步即构图。通常我们会把想表现的主体放在画面的显著的位置（黄金分割线或者黄金分割线点）上，很多成功的创作基本上都遵循了这一规律。但有时因为意境的需要，我们可能会把主体安排在画面的边缘的位置，比如说：表现空灵。就像南宋山水画家马远和夏圭一样，被后人称为“马一角”和“夏半边”。

《锦鲤鱼》60x90cm 布面油画 2017 13000元（已售）

艺术需要创新，只有去不断的探索新的规律，才有生命力。好的构图，主体与背景融为一体，相互映衬，反之，没有了主体和意境。构图与构成同时存在，在构图之前，就必须考虑构成，考虑构成的元素选择，思考对称、均衡、疏密、大小等等形式美的法则在画面中的构成运用。

《故乡的河系列8》50x60cm 布面油画 2017 8000元（已售）

构图只是画面中大的布局变化，而构成可能涉及画面中每一平方厘米的位置。如何把客观对象转化画面中的点、线、面的构成，是整个风景油画写生中迫切要解决的问题。转化得自然，客观美能变为艺术美。许多人知道“构图”，但不理解“构成”，这可能是专业和业余最大的区别所在！“构成”恰似中国书法中的“框架结构”。每件书法作品就是一幅画，而每个字相当于一幅画的一个局部构成。

《芜湖郊区写生》60x80cm 布面油画 2020.4.1 15000元

三、画面色彩关系的处理

油画的魅力就是色彩，油画颜料能像宝石一样发出光芒，在众多的印象派大师的原作面前可以看到这一点。然而多数同学在初次接触油画风景写生时，色彩往往把握不住，容易出现脏、乱、灰。画色彩首先是颜色之间的搭配，同类色、类似色以及对比色搭配。就像穿衣服一样，怎样穿才协调、耐看。红色配绿色并非难看，搭配得好，色彩更具品味和魅力。

《周庄水乡写生》60x80cm 布面油画 2020.4.15 15000元

后印象派的梵高和高更就喜欢用对比色的搭配，中国民间美术的工艺品中，红、黄、蓝、绿的搭配也较为多见，同样好看。哪种红配什么样的绿就成为我们要思考的问题。一种方式可以以客观世界为依据，用色彩的冷暖、色相、明度找准客观色，大自然就是我们最好的老师，自然界中的色彩搭配本来就很漂亮。

《肥城山村风景写生》 60x80cm 布面油画 2019.3.9 15000元（已售）

另一种方式则是以心理色彩为主，像德国表现主义绘画，挑选自己平时喜欢的几种颜色构成画面，具有一定的经验性，主观能动性更强。不管用哪种方式，都应该先把对象进行概括处理，将复杂的自然简单化。在简洁、概括的基础上不断丰富层次、细节，从而做到简约而不简单。黑、白、灰是隐藏在色彩背后较为重要的因素，画面的脏和灰一部分的原因是由于黑、白、灰错乱导致的，所以调整黑、白、灰的均衡及比重也是画面色彩亮丽的重要一环。

《夕阳系列2》 50x60cm 布面油画 2017 8000元

结语

油画风景写生自由开阔的空间艺术表达形式，也为油画艺术家的写生与创作提供了广大的思考维度与无限发挥的艺术可能性。纵观中外美术发展史，任何一种艺术形式与绘画造型表现语言的呈现，终究是艺术家个人情感与性格的产物。

《野花香》60x90cm 布面油画 2020.5.15 13000元

《山花》50x60cm 布面油画 2017 8000元（已售）

油画艺术家与大自然的情感交流，本能地反映在构图、色彩、用笔等主观的艺术性画面处理上，其中既有风景艺术家的个性使然，同时也会带来艺术史中绘画技巧上的创新与革命。有时艺术家无意识的实验性、技术性的学术探索，往往能够带来美术史上承前启后的里程碑似的创作，这既需要艺术家的艺术胆识和学术勇气，也源自于对艺术无与伦比的挚爱。

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